クラシック音楽へのおさそい~Blue Sky Label~
モーツァルト：ピアノ協奏曲第２７番 K.595
（Ｐ）バックハウス ベーム指揮 ウィーンフィル １９５５年３月３０〜３１日録音
Mozart：ピアノ協奏曲第２７番 K.595 「第１楽章」
Mozart：ピアノ協奏曲第２７番 K.595 「第２楽章」
Mozart：ピアノ協奏曲第２７番 K.595 「第３楽章」
モーツァルトのピアノ協奏曲を概観してみれば
モーツァルトはその生涯において２７曲のピアノ協奏曲を遺したといわれています。しかし、詳しくふり返ってみると事はそれほど単純ではありません。今回は、このことについて簡単にふれておきたいと思います。まず、一般に２７曲といわれるピアノ協奏曲を大きく区切ってみると３つのグループに分かれることは誰の目にも明らかです。
一つは少年時代の習作に属するグループで、番号でいえば１〜４番の協奏曲がこのグループに属します。次は、ザルツブルグの協定に宮仕えをしていた１７７３年から１７７９年に至るいわゆるザルツブルグ時代の作品です。番号でいえば５，６，８，９番の４作品と、３台、２台のピアノのための協奏曲と題された７番、１０番の２作品です。そして、最後は１７８１年にザルツブルグの大司教コロレドと決定的な衝突をしてウィーンに出てきてからの作品です。番号でいえば１１番から２７番に至る１７作品となります。
これで、何の問題もないように見えます。発展途上の形式だった交響曲のように、ディヴェルティメントに数えるのか交響曲に数えるのかと悩む必要はありません。しかし、一つひっかかるのがケッヘル番号でいうと１０７番が割り当てられている「クリスティアン・バッハのソナタにもとづく３つの協奏曲」をどのように考えるかです。これは、その名前が示すようにクリスティアン・バッハのチェンバロソナタをそのまま協奏曲に編曲したものです。もし、この作品も「モーツァルトの協奏曲」として数えるならば、少年時代の習作は４ではなくて７となり、モーツァルトのピアノ協奏曲は全部で３０となるわけです。しかし、旧全集ではこの３作品は基本的には「他人の作品」と判定をして「モーツァルトのピアノ協奏曲」からは除外をして、それ以外の作品に１番から２７番までの番号を割り振ったわけです。
ところが、２０世紀の初頭になって、少年時代の習作として１番から４番までの番号が割り当てられていた作品も、実はK107の作品と同じく、他人のチェンバロソナタを下敷きにして編曲したものであることが判明したのです。ただし、K107がクリスティアンの作品をまるまる下敷きにしたのに対して、１〜４番の作品は楽章ごとにいろいろな作品を組み合わせて一つの協奏曲に仕上げていたのです。こうなると１〜４番の作品とK107の３作品を区別する必然性はなくなってしまいました。この不整合を解決するためには道は二つしかありません。一つはK107の３作品も「モーツァルトの協奏曲」として数え入れるのか、逆に１〜４番の作品を「モーツァルトの協奏曲」から除外してしまうかです。
この問題に最終的な決定が下ったのは、１９５６年から着手された新全集の刊行においてでした。そこでは、最終的に１〜４番の作品を「モーツァルトの協奏曲」から除外するというストイックな方向性が採用されました。しかし、旧全集によって割り振られた番号はすでに広く世間に定着していますから、ナンバーリングを繰り上げるということはしませんでした。これは賢明な判断だったと思われます。
シューベルトの場合はこのナンバーリングの繰り上げを実施したために（７番が削除されて、９番「グレイト」が８番に、８番「未完成」が７番に繰り上げられた）未だに混乱が続いています。
こうして、現在では少年時代の習作は「モーツァルトの協奏曲」からは除外され、彼のピアノ協奏曲はザルツブルグ時代の６作品とウィーン時代の１７作品という二つのグループに分かれることになったのです。
＜ザルツブルグ時代＞
第５番 K175：１７７３年１２月完成
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第６番 K238：１７７６年１月完成
第７番 K242：１７７６年２月完成（３台のピアノのための作品）
第８番 K246：１７７６年４月完成
第９番 K271：１７７７年１月完成
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第１０番 K365：１７７５年〜１７７７年に完成
第５番の協奏曲がモーツァルトにとっては初めての完全にオリジナルな作品だといえます。彼はこの作品に強い愛着があったようで、ウィーン時代においても何度も演奏会で取り上げ、そのたびにオーケストレーションや楽器の編成などにも手を加えています。今では、K382のコンサート・ロンドとして知られている作品は、ウィーンにおける演奏会でこの作品の第３楽章として作曲されたものです。ですから、K175を第２楽章まできいた後に、それに続けてK382をきけばウィーンでの演奏会を再現できるというわけです。
そして、この後にしばらくの沈黙があって１７７６年から立て続けに５作品が作られています。おそらくは、姉のナンネルの演奏会か、もしくは自分の演奏会のために作曲されたものと思われます。ですから、この作品には当時のザルツブルグの社交界の雰囲気が反映していると思われます。しかし、第９番の「ジュノーム」だけはひときわ異彩をはなっています。ふつうはオーケストラの前奏の後にピアノが登場するのが古典派の常識であるのに、ここでは冒頭からいきなりピアノソロが登場します。また、ハ短調で書かれた第２楽章の陰りを帯びた表情は社交音楽の枠を超えています。K466のニ短調コンチェルトほどではないにしても、ここでも一つの大きな飛躍と断絶が口を開いているように見えます。
しかし、この後にモーツァルトはザルツブルグの宮廷と決定的な衝突を引き起こし、一人の自立した芸術家としてウィーンでの生活を始めます。そこでは、売れなければ生きていけないわけですから、一瞬姿を現した断絶は閉じてしまいます。
＜ウィーン時代＞
モーツァルトのウィーン時代は大変な浮き沈みを経験します。そして、ピアノ協奏曲という彼にとっての最大の「売り」であるジャンルは、そのような浮き沈みを最も顕著に示すものとなりました。
この時代の作品をさらに細かく分けると３つのグループとそのどれにも属さない孤独な２作品に分けられるように見えます。
まず一つめは、モーツァルトがウィーンに出てきてすぐに計画した予約出版のために作曲された３作品です。番号でいうと１１番から１３番の協奏曲がそれに当たります。
第１２番 K414：１７８２年秋に完成
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第１１番 K413：１７８３年初めに完成
第１３番 K415：１７８３年春に完成
このうち１２番に関してはザルツブルグ時代に手がけられていたものだと考えられています。他の２作品はウィーンでの初仕事として取り組んだ予約出版のために一から作曲された作品だろうと考えられています。その証拠に彼は手紙の中で「予約出版のための作品がまだ２曲足りません」と書いているからです。そして「これらの協奏曲は難しすぎず易しすぎることもないちょうど中程度の」ものでないといけないとも書いています。それでいながら「もちろん、空虚なものに陥ることはありません。そこかしこに通人だけに満足してもらえる部分があります」とも述べています。
まさに、新天地でやる気満々のモーツァルトの姿が浮かび上がってきます。
しかし、残念ながらこの予約出版は大失敗に終わりモーツァルトには借金しか残しませんでした。しかし、出版では上手くいかなかったものの、これらの作品は演奏会では大喝采をあび、モーツァルトを一躍ウィーンの寵児へと引き上げていきます。８３年３月２３日に行われた皇帝臨席の演奏会では一晩で１６００グルテンもの収入があったと伝えられています。５００グルテンあればウィーンで普通に暮らしていけたといわれますから、それは出版の失敗を帳消しにしてあまりあるものでした。
こうして、ウィーンでの売れっ子ピアニストとしての生活が始まり、その需要に応えるために次々と協奏曲が作られ行きます。いわゆる売れっ子ピアニストであるモーツァルトのための作品群が次に来るグループです。
第１４番 K449：１７８４年２月９日完成
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第１５番 K450：１７８４年３月１５日完成
第一六番 K451：１７８４年３月２２日完成
第１７番 K453：１７８４年４月１２日完成
第１８番 K456：１７８４年９月３０日完成
第１９番 K459：１７８４年１２月１１日完成
１７８４年はモーツァルトの人気が絶頂にあった年で、予約演奏会の会員は１７４人に上り、大小取りまぜて様々な演奏会に引っ張りだこだった年となります。そして、そのような需要に応えるために次から次へとピアノ協奏曲が作曲されていきました。また、このような状況はモーツァルトの中にプロの音楽家としての意識が芽生えさせたようで、彼はこの年からしっかりと自作品目録をつけるようになりました。おかげで、これ以後の作品については完成した日付が確定できるようになりました。
なお、この６作品はモーツァルトが「大協奏曲」と名付けたために「六大協奏曲」と呼ばれることがあります。しかし、モーツァルト自身は第１４番のコンチェルトとそれ以後の５作品とをはっきり区別をつけていました。それは、１４番の協奏曲はバルバラという女性のために書かれたアマチュア向けの作品であるのに対して、それ以後の作品ははっきりとプロのため作品として書かれているからです。つまり、この１４番も含めてそれ以前の作品にはアマとプロの境目が判然としないザルツブルグの社交界の雰囲気を前提としているのに対して、１５番以降の作品はプロがその腕を披露し、その名人芸に拍手喝采するウィーンの社交界の雰囲気がはっきりと反映しているのです。ですから、１５番以降の作品にはアマチュアの弾き手に対する配慮は姿を消します。
そうでありながら、これらの作品群に対する評価は高くありませんでした。実は、この後に来る作品群の評価があまりにも高いが故に、その陰に隠れてしまっているという側面もありますが、当時のウィーンの社交界の雰囲気に迎合しすぎた底の浅い作品という見方もされてきました。しかし、最近はそのような見方が１９世紀のロマン派好みのバイアスがかかりすぎた見方だとして次第に是正がされてきているように見えます。オーケストラの響きが質量ともに拡張され、それを背景にピアノが華麗に明るく、また時には陰影に満ちた表情を見せる音楽は決して悪くはありません。
さて、これに続くのが第２０番から２５番までの６作品です。
第２０番 K466：１７８５年２月１０日完成
第２１番 K467：１７８５年３月９日完成
第２２番 K482：１７８５年１２月１６日完成
第２３番 K488：１７８６年３月２日完成
第２４番 K466：１７８６年３月２４日完成
第２５番 K491：１７８６年１２月４日完成
ここには断絶があります。
９番「ジュノーム」で一瞬顔をのぞかせた「断絶」がはっきりと姿を現し、それが拡大していきます。そして、その拡大は２４番のハ短調のコンチェルトで行き着くところまで行き着きます。そして、このような断絶が当時の軽佻浮薄なウィーンの聴衆に受け入れられずモーツァルトの人生は転落していったのだと解説されてきました。
しかし、事実は少し違うようです。
たとえば、有名なニ短調の協奏曲が初演された演奏会には、たまたまウィーンを訪れていた父のレオポルドも参加しています。そして娘のナンネルにその演奏会がいかに素晴らしく成功したものだったかを手紙で伝えています。そして、これに続く２１番のハ長調協奏曲が初演された演奏会でも客は大入り満員であり、その一夜で普通の人の一年分の年収に当たるお金を稼ぎ出していることもレオポルドは手紙の中に驚きを持ってしたためています。そして、この状況は１７８６年においても大きな違いはないようなのです。ですから、ニ短調協奏曲以後の世界にウィーンの聴衆がついてこれなかったというのは事実に照らしてみれば少し異なるといわざるをえません。
ただし、作品の方は１４番から１９番の世界とはがらりと変わります。それは、おそらくは２３番、２５番というおそらくは８５年に着手されたと思われる作品でも、それがこの時代に完成されることによって前者の作品群とはがらりと風貌を異にしていることでも分かります。それが、この時代に着手されこの時代に完成された作品であるならば、その違いは一目瞭然です。とりわけ２４番のハ短調協奏曲は第１楽章の主題は１２音のすべてがつかわれているという異形のスタイルであり、「１２音技法の先駆け」といわれるほどの前衛性を持っています。また、第３楽章の巨大な変奏曲形式もきくものの心に深く刻み込まれる偉大さを持っています。それ以外にも、一瞬地獄のそこをのぞき込むようなニ短調協奏曲の出だしのシンコペーションといい、２１番のハ長調協奏曲第２楽章の天国的な美しさといい、どれをとっても他に比べるもののない独自性を誇っています。
これ以後、ベートーベンを初めとして多くの作曲家がこのジャンルの作品に挑戦をしてきますが、本質的な部分においてこのモーツァルトの作品をこえていないようにさえ見えます。
さて、この後に２つの作品が残されることになります。ユング君はこれらをどのグループにも属さない孤独な２作品と書きました。
第２６番 k537：１７７８年２月２４日完成
第２７番 K595：１７９１年１月５日完成
この時代のモーツァルトは演奏会を行っても客が集まらず困窮の度合いを深めていくと言われてきました。しかし、これもまた最近の研究によると少しばかり事情が異なることが分かってきました。
たとえば、有名な３９番〜４１番の３大交響曲も従来は演奏される当てもなく作曲されたと言われてきましたが、現在でははっきりとした資料は残っていないものの何らかの形で演奏されたのではないかと言われています。確かに、予約演奏会という形ではその名簿に名前を連ねてくれる人はいなくなったのですが、当時の演奏会記録を丹念に調べてみると、依然としてウィーンにおけるモーツァルトの人気は高かったことが伺えます。ですから、確かに人気が絶頂にあった時代と比べれば収入は落ち込んだでしょうが、世間一般の常識とくべれば十分すぎるほどの収入があったことが最近になって分かってきました。
この時代にモーツァルトはフリーメイソンの盟友であるプフベルグ宛に泣きたくなるような借金の依頼を繰り返していますが、それは従来言われたような困窮の反映ではなく、生活のレベルを落とすことのできないモーツァルト一家の支出の多さの反映と見るべきもののようです。
ですから、２６番の「戴冠式」と題された協奏曲もウィーンでだめならフランクフルトで一旗揚げてやろうという山っ気たっぷりの作品と見るべきもののようです。ですから、借金をしてまでフランクフルトで演奏会をおこなったのは悲壮な決意で乗り込んだと言うよりは、もう少し脂ぎった思惑があったと見る方が現実に近いのかもしれません。そして、己の将来を切り開くべく繰り出した作品なのですから、モーツァルトとしてもそれなりに自信のあった作品だと見ていいでしょう。ここでは、一度開ききった断絶が再び閉じようとしているように見えます。
しかし、残念ながらこの演奏会はモーツァルトが期待したような結果をもたらしてくれませんでした。そして、人気ピアニストとしてのモーツァルトの活動はこれを持って事実上終わりを告げます。ロマン派の音楽家ならば演奏されるあてがなくても己の感興の赴くままに作曲はするでしょうが、モーツァルトの場合はピアニストとしての活動が終わりを告げれば協奏曲が創作されなくなるのは理の当然です。ですから、この後にモーツァルトは再び交響曲に戻っていくことになり例の３大交響曲を残すことになるわけです。
そんなモーツァルトが死の１年前の１７９１年に突然一つのピアノ協奏曲を残します。K595の変ロ長調の協奏曲です。作品はその年の１月に完成され、３月４日のクラリネット奏者ヨーゼフ・ベーアが主催する演奏会で演奏されました。そして、それがコンサートピアニストとしての最後の舞台となりました。
アインシュタインはこの作品について「この曲は・・・永遠への戸口に立っている。」「彼がその最後の言葉を述べたのはレクイエムにおいてではなく、この作品においてである。」と述べています。
しかし、これもまた最近の研究により、この作品の素材が１７７８年頃にほとんどできあがっていたことを示唆するようになり、アインシュタインの言葉はその根拠を失おうとしています。実際、この時代のモーツァルトは交響曲作家としてイギリスに渡る道があったにもかかわらずそれを断り、ドイツ語によるドイツオペラの創作という夢に向かって進み始めていたのです。ですから、アインシュタインのようなモーツァルト理解は幾分かは１９世紀的バイアスがかかったものとしてみておく必要があるようです。
ただし、コンサートピアニストとしての活動が終わったことは自覚していたでしょうから、その意味ではこれは「訣別」の曲と言っても間違いないのかもしれません。しかし、はたしてアインシュタインが言ったように「人生への訣別」だったのかは議論の分かれるところでしょう。
この上もなく禁欲的なモーツァルト
若い頃、あれこれと辛いことがあってこのK.595のコンチェルトを繰り返し繰り返し聞いていた時期がありました。そして、その時何度も針を落としていたのがこのベームとバックハウスのコンビによる録音でした。
辛いときの「甘さ」は余計に辛さを増幅させますから、こういう一片の甘さもない辛口の演奏というのが一番ピッタリだったのでしょう。
しかし、若いときの「辛さ」なんてのは、その時は人生も終わりかと思うほどの落ち込みようであっても、冷めた目で眺めてみれば「たか」がしれていますから、やがては同じレコードに何度も針を落とすというような阿房なことはしなくなります。しかし、一種のトラウマみたいなもので、このバックハウス盤を聴くと若い時の大袈裟な落ち込みぶりが思い出されて気恥ずかしくなってくるので、それからは逆にこのレコードからは縁遠くなってしまいました。
「まあ、一生分は聞いたからいいや！」という感じでもありました。
ですから、この歴史的名演とも言うべき録音がパブリックドメインの仲間に入っている事に気づくのに随分と時間がかかってしまいました。気づいたきっかけは、２００８年のお正月に向けて、新しくパブリックドメインの仲間に入る音源を探索をしていたときでした。ごそごそと古いレコードを探っていると奥の方からひょっこり顔を出し、気むずかしい顔をしてピアノに向かうバックハウスのジャケットと久しぶりに対面して、２０年以上も前の若き日のことが思い出されてまたまた苦笑いしてしまいました。しかし、録音年を確認すると５５年なのであわててリリース年をチェックするとすでにパブリックドメインの仲間入りしていることに気づいた次第です。
そう言う、全くもって個人的な事情によって、本当ならば年の初め頃に喜び勇んでアップするべき価値のある録音なのに、結果として年の暮れのアップになってしまいました。
そして、本当に久しぶりに（おそらくは２０数年ぶりに）聴き直してみてこの演奏の「異形」ぶりに感心させられるとともに、その「異形」ゆえに「苦悩する若きユング君」を励ますにはピッタリの録音だっただろうなとあらためて確認させられました。（＾＾；
これをモーツァルトのスタンダードだと言う人はいないでしょう。
遅めのテンポで、そして、どちらかと言えば重くて暗めの音色でポツリポツリと語りかけるようなピアノは決してモーツァルトに相応しものではありません。しかし、モーツァルトのピアノコンチェルトの中でも最も簡潔なスタイルをもつこの作品と、その様なバックハウスのスタイルが出会うと、そこには一種独特な禁欲的な世界が立ち現れてきます。そして、そんな禁欲的な世界が、誰からも見捨てられ社会からも爪弾きにあったような思いにうち沈んでいた若者に力を与えてくれたのです。
「俗塵にまみれた人や社会はこちらから願い下げだ、俺はそんな世俗の幸福なんかには背を向けて生きていくんだ！」などと力みかえっていたのでしょうか。
このバックハウスの演奏からは本当に必要最小限の手段だけでモーツァルトは再創造できることを教えられます。
しかし、一切の「色気」や「媚び」を排してモーツァルトの核心だけを取り出して提示するこの演奏は、その厳しさゆえにモーツァルトの一面しか表現していないことも事実です。
なぜなら、モーツァルトにはその様な澄み切った厳しいまでの透明感に貫かれた世界だけでなく、けっこう「色気」や「媚び」に満ちた世界が存在することも事実だからです。そして、そう言うものが矛盾を感じずに同居しているのがモーツァルトです。
そう言う意味では物足りなさを感じる人も少なくないと思いますが、それでも一つのことに徹しきった演奏と言うことでは、かけがえのないオンリーワンの魅力を持った演奏です。
よせられたコメント
2009-01-26：にわかモーツァルト・ファン
- 最高！ 宗教的な浄福の境地を感じさせられます。私にはこれがモーツァルトの本体のように思われてなりません。
モーツァルトはなかなかいい演奏がないようですね。重すぎたり軽すぎたり、厳しすぎたり甘すぎたりするでしょう。私はトスカニーニの録音が大好きなんですが、彼の４０番はでたらめでしたよ。２ｔトラックがお花畑のうえを駆け抜けていくような、大間違いな感じで。我の強い脂ぎった演奏はどうしても受け付けないように、作品ができているのじゃないですかね。
ペルルミュテールをこのサイトで知ることができたのは、私にとって大きな収穫でした。ありがとうございました。ただ音質が悪い、というか高音がつぶれてしまって、どうしても聴きづらかった。しかし演奏の内容でこれを上回るものはあるまいと思って、とくに新しいものを探さないでいたんですが、最近すばらしいモーツァルト演奏者に出会いました。管理人さんはご存知ですか、梯 剛之（カケハシ・タケシ）というピアニストを？ 全盲の、まだ３０そこらの若い人です。
清潔な水の上を光の粒が踊っているような、とにかく純粋な音色で、心洗われる思いがしたものです。「熱情」というライブアルバムが超・オススメです。まだ聴いてなかったら、ぜひ。
2009-07-13：いろはにへとへと�������
- 一度に大量のピアノ協奏曲を試聴する必要があり、モーツァルトの27番はなかなか無かったので、ありがとうございました。
確かに、ぽて、としてやや音色が重いですね。
でも、私は根本的に生理的にモーツァルトが嫌いなのですが、ここでは、その原因であるキラキラちゃらちゃらした人生の達人みたいな感触がなくて、全編これ誠実の塊、穏やかに楽しんで聴きました。
オーケストラが最高です。
過不足なく、気負い無く、満腹感があります。
こういう、特に感想は出てこないけれど名演、という現場に立ち会えることはありそうでなかなかないです。
部分によってはとても鋭角的なタッチを聴かせているので、おそらくバックハウスは意図的に「ぽて」と弾いているのでしょう。
こんにちのブログ時代だったら、何と発信されたことでしょうか。
2009-09-14：ＳＷＡＮ−Ｍ
- 演奏の評価は５です。
モーツアルトの作品は演奏家によって千変万化します。特に自在に音作りができるソロや室内楽にその傾向が強く出るようです。このため、同じ曲でもレコードやＣＤを数枚買わされることになる。そこで27番ですが、あまたある中で私はグルダとバックハウスをとります。グルダの演奏は時空を超えたユニバーサルな存在というか、現代に多いタッチの切れたシャープな演奏家の要素と19世紀的ロマンを併せ持った稀有な演奏家です。でも、オケの出来を合わせた総合点ではバックハウスが上。バックハウスの音はたしかに重いですが、良く彫琢された大理石を思わせるような肌合いは比べるものはなく、抑制の効いたテンポルバートはモーツアルトの最晩年の諦観をこの上なくにじませるといったら言いすぎでしょうか。
2011-02-03：カンソウ人
- モーツアルトのピアノ協奏曲は、華やかで、モーツアルトの書いた協奏曲では最も素晴らしいものだと思います。そもそも曲の規模が大きくて、管楽器や弦楽器の曲よりも少しだけオーケストラも大きいものを要求している気がします。特に２０番台から後の協奏曲は後期の三大交響曲を除くと、同レヴェルに素晴らしい。
しかし、この２７番だけは素晴らしさが、レクイエムレヴェルにあるように思います。華やかさは不必要で、過美な音色も不必要な気がします。モーツアルトの魂は既に天国に昇っているがのごとく。第３楽章のテーマは、歌曲の「春へのあこがれ」とほとんど同じです。このことはとても大きな意味があるように思います。
バックハウスの演奏は、この曲にとても相応しいものに思います。骨太の無愛想な音色ですし、歌い回しもあっさりです。これは芸風であって、しかも鍵盤の獅子王の最晩年の物です。
モーツアルトのピアノ協奏曲は、自分が弾く為に作られているために、時間短縮のために音符が少な過ぎるものもあり、例えば２０番と２４番です。もしもバックハウスが弾いた録音があれば聴いてみたいです。華美に傾かず、必要な音のみが聴こえるような演奏です。彼なら初見で弾ける技術は十分に持っていたはずでしょうから。
言葉で書くのは簡単ですが、イメージするだけでは音にはならず、他人に伝わりません。
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