クラシック音楽へのおさそい~Blue Sky Label~
シューマン:幻想曲 ハ長調 Op.17(Schumann:Fantasy in C major, Op.17)
(P)イヴ・ナット:1952年6月6日録音(Yves Nat:Recorded on June 6, 1950)
Schumann:Fantasy in C major, Op.17 [1.Durchaus fantastisch und leidenschaftlich vorzutragen]
Schumann:Fantasy in C major, Op.17 [2.Massig: Durchaus energisch]
Schumann:Fantasy in C major, Op.17 [3.Langsam getragen - Durchweg zu halten]
クララとの引き裂かれた愛
当時、クララの父フリードリヒ・ヴィークの猛反対により、シューマンはクララと会うことも文通すらも禁じられていました。
本作はもともと、ボンにベートーヴェンの記念碑を建てるための資金集めを目的として、「オーボエ、指環、凱旋門」という風変わりなタイトルの3楽章からなるソナタとして構想されました。
そのため、随所にベートーヴェンへのオマージュが隠されています。
最終的に1839年に現在の「幻想曲」として出版され、フランツ・リストに献呈されました。
リストはこの曲を絶賛し、お返しとして「ピアノ・ソナタ ロ短調」をシューマンに捧げています。
- 第1楽章:Durchaus phantastisch und leidenschaftlich vorzutragen
形式的にはソナタ形式に近い枠組みを持っていますが､内実はシュｰマンの激しい感情の起伏によって自由に形を変える､まさに｢幻想的｣な楽章です｡
曲は､右手による16分音符の激しい｢波のような分散和音｣で幕を開けます｡
このフォルテッシモの伴奏に乗って､左手が｢レ･ド･シ･ラ･ソ｣と下降する情熱的な第一主題を奏でます｡この5度下降する音型は､音楽学者の間ではクララ(Clara)の名前を象徴する｢クララ･テｰマ(クララ暗号)｣として知られています｡
楽章の中間部には｢伝説のトｰンで｣と指示された静かなセクションが配置されています｡
それまでの熱狂から一転し､ドイツの古いおとぎ話を回想するような､どこか寂しげで内省的な音楽へと移り変わります｡
クララに会えないシュｰマンの孤高の孤独が表現されています｡楽章のクライマックスを過ぎ､もっとも静まり返ったコｰダ(終結部)で､音楽はハ長調の純粋な和音へと向かいます｡
ここで､ベｰトｰヴェンの歌曲集「遥かなる恋人に」の第6曲｢受け取って歌ってくれ､僕が君に歌うこれらの歌を(Nimm sie hin denn, diese Lieder)｣の旋律がアダｰジョで優しく引用されます｡
文字通り､遠く離れたクララへ自分の音楽を届けたいという､シュｰマンの切実な祈りが結晶化した瞬間です｡ - 第2楽章:Masig. Durchaus energisch
第1楽章の個人的な愛の吐露から一転し､ベｰトｰヴェン記念碑のための｢凱旋門｣という当初の構想を色濃く残す､雄大で力強いロンド形式の楽章です｡
シュｰマンが提唱した､俗物的な芸術に立ち向かう架空の団体｢ダヴィッド同盟｣の行進を思わせる､付点リズムを多用した極めて強固で英雄的な主題が支配します｡
シンコペｰションによって拍節感が意図的に狂わされ､シュｰマン特有の｢前へ前へと突き進む焦燥感と推進力｣が生み出されています｡
この楽章を最も有名にしているのが､曲の最後を締めくくるコｰダです｡
ここでは､両手がそれぞれ逆方向へ激しく飛び跳ねる｢急速な反行跳躍｣が延々と続きます｡ペダルの効果も相まって､聴き手には華々しいカタルシスを与えますが､ピアニストにとっては｢音が外れる恐怖｣と戦わなければならない最難関の一つに数えられるセクションです｡ - 第3楽章:Langsam getragen. Durchaus leise zu halten
古典的なソナタや交響曲の多くは､最終楽章に速く華やかな楽曲を持ってきますが､シュｰマンはこの大作を極めて静かで深い､詩的な緩端楽章で終わらせるという､当時としては極めて異例の構成を取りました｡
第2楽章の熱狂の余韻をすべて消し去るように､流れるようなアルペジオが始まります｡その上に置かれる旋律は､もはや激しい自己主張ではなく､運命を受け入れたかのような深い平穏に満ちています｡
12分の8拍子という大きな拍子の中で､複数のメロディラインが互いに絡み合いながら､波が満ちては引くように進んでいきます｡
どこが主旋律でどこが伴奏かという境界線が溶け合い､聴き手は深い瞑想の世界へと誘われます｡
最後は､第1楽章で激しく求めていた｢ハ長調｣の純粋な響きが､今度は完全に浄化された形で戻ってきます｡
静かに､しかし確信に満ちた主和音が3回､静かに刻まれて曲は天に昇るように余韻を残して消えていきます｡
これはクララとの愛の成就､あるいは芸術的な救済を予感させる､音楽史上で最も美しい結びの一つです｡
シュｰマンはこの曲の冒頭に､詩人シュレｰゲルの｢あらゆる響きの中で､静かな一つの音が､耳をすます人のために深く響いている｣という詩を掲げました｡
この｢一つの音｣とはクララそのものであり､全楽章を通してその存在が形を変えながら鳴り響いているのです｡
ドイツ・ロマン派に骨埋めた
イヴ・ナットといえば、真っ先に思い浮かぶのは、1951年から1955年にかけて録音されたベートーヴェンのピアノ・ソナタの全曲録音です。
私がナットの名を知ったのもその全曲録音でした。
その時、こんなことを書いていました。
彼の演奏は全体として速めのテンポで淡々と弾ききっているようで、一聴すると何もしていないように聞こえるくらいにあっさりしています。ただし、一つ一つの音はクリアで曖昧さというものが全くありません。
そのために、昨今の楽譜に忠実な演奏によく見られるように「本当に何もしていない」のではなくて、その淡々とした演奏の中に繊細で微妙な感情が交錯していく様が手に取るように浮かび上がってきます。
ナットといえば「「演奏家は自分を完全に忘れ去り、作品を記憶させるのだ」という演奏哲学を持ち続けた人でした。
それはパリのコンセルヴァトワールでルイ・ディエメから学び取ったものでした。
ディエメは優れたピアニストであり、すぐれた教育者でもありました。その門下にはアルフレード・コルトー、マルセル・シアンピ、ラザール・レヴィ、ロベール・カサドシュ、そしてイーヴ・ナットなどがいました。
しかし、ディエメの弟子を眺めてみると、コルトーとナットではずいぶんと雰囲気が異なります。
コルトーは少しずつディエメから離れて行って、自由で奔放で幻想的な世界を作る様になっていきました。
それに対して、ナットはディエメの世界をまっすぐに引き継いだ様に思えます。
おそらくそのことが彼らのレパートリーにも反映しているようです。
コルトーはショパンがメインでした。
それに対してナットはベートーベンとシューマンがメインでした。
不思議なのは、フランス音楽の真ん中ともいえるラヴェルやドビュッシーは全く録音していない事です。
ナットがまだ20代前半だった頃、ドビュッシー自身がナットの才能を高く評価し、イギリスへの演奏ツアーに同行させています。
また、ナット自身が作曲したピアノ協奏曲などにはラヴェルの影響が色濃く見られます。
ですから、印象派の音楽とは縁は深いはずなので、実に不思議です。
しかし、そのことは、裏返せばそれだけ「ドイツ・ロマン派に骨埋めた」という事なのでしょう。
彼のスタジオ録音は1953年に癌の宣告を受けてから本格化しています。
亡くなる1956年までのわずか3年ほどの間に、命を懸けて最優先したのが、「ベートーヴェンのピアノ・ソナタ全集」と「シューマンの主要作品集」でした。
理想的な解釈とは、作品の利益のために、自分自身を完全に忘れることを前提とする。
自らを完全に忘れることで、作品そのものが思い起こされるのだ
この演奏哲学を貫いてそれらの仕事を成し遂げるには3年というのはあまりにも短すぎました。
結論として、ベートーベンとシューマンに注力するしかなかったのです。
そして、自分が消え去ったときに初めて、ベートーヴェンやシューマンの「真の姿」が聴き手の前に現れるという奇跡を成し遂げてこの世を去ったのでした。
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